Top 10 películas de estar por casa 2011. By Max Rebo

Compañeros, este ha sido un año difícil: el hedor a crisis y corrupción y la represión imperantes no invitaban a salir de casa. Los tijeretazos de la Autoritat, muy honorable, cínica y tendenciosa, empeñada en cercenar (entre otras cosas) el bienestar y la capacidad de consumo de la clase media, nos ha hecho todavía más difícil invertir nuestros exhiguos euros en el tiempo del ocio. Por si fuera poco, los fiascos de Conan el Bárbaro  y Capitán Trueno y el Santo Grial han terminado por expulsarme de las salas de cine. Si las hubiera pisado más de 10 veces en 2011 hubiera confeccionado de buen gusto un Top 10 para los fieles lectores de Especialista Mike. En la lista estarían el Cisne Negro de Aronofsky, Valor de Ley de los Coen, El Orígen del Planeta de los Simios y el capítulo final de la imprescindible saga de Harry Potter, todas reseñadas en éstas páginas. Siendo generosos, podría incluir el nuevo Capitán América y la precuela de los XMen, buenas incursiones en el cine de tebeo. Pero como me es imposible llegar a la decena, habré de recurrir al socorrido menú casero, a rememorar mis raciones de sopa de magnetoscopio, mantita y buena compañía. En estas perlas pasadas y pretéritas he encontrado el solaz que un buen puñado de Hijos de la Gran nos han intentado escatimar durante los últimos doce meses.
La Novia de Frankenstein (The bride of Frankenstein, James Whale, 1935)
A revisitar junto al Frankenstein de 1931, una de las películas dotadas de mayor carga iconográfica de la historia del cine y el filtro que el cine posterior (y la conciencia colectiva) aplicó a la recreación, visual o imaginada, de la inmortal y celebérrima novela de Mary Shelley. La interpretación de Boris Karloff y el maquillaje de Jack Pierce fueron hitos que han trascendido a decenas de generaciones. Pierce y Karloff, las alucinadas interpretaciones de Colin Clive y Dwight Frye, la dirección artística deudora del expresionismo alemán y la trangresora y sutil aportación de Whale (en la dirección y en algunos aspectos del guión) hacen olvidar las incongruencias del argumento, importantes en el último acto de la película. Osada, macabra y explícita para su época, se contempla ahora como una pieza candorosa, pero su fulgor es imperecedero. 4 años después, Whale fue capaz de superarse con la mítica secuela. En cierto modo, La Novia de Frankenstein corrige el dislate argumental del tercio final de su antecesora, acercando más la película al espíritu de la obra de Shelley y dotando de una mayor complejidad a la criatura. Pero no sólo eso: las aportaciones apócrifas (El Doctor Praetorious y el prólogo en Villa Diodati) acaban de redondear una cinta que acentúa el aroma escabroso (y su traducción al expresionismo fílmico) de su hermana de 1931. Karloff llevó al monstruo a cimas de patetismo inalcanzables y a Elsa Lanchester le bastaron un par de minutos y un peinado crepado para alcanzar el estatus de icono inmortal.
Amor a Quemarropa (True Romance, Tony Scott, 1993)
Una de las mejores películas del controvertido Tony Scott y una pieza de culto del cine contemporáneo. Gran parte del mérito hay que atribuirlo al guión de Tarantino, un ejemplo temprano pero perfecto de su estilo de revisitación del cine negro, de sus obsesiones cinéfilas y de sus personajes verborreicos. El estilo visual de Scott y la contribución (en ocasiones episódica) del espectacular reparto hacen el resto: memorables el duelo de dinosaurios Christopher Walken vs. Dennis Hopper y el conjunto sujetador/top verde de la Arquette, icono instantáneo de los 90. A revisitar con gozo.
Bambi (David Hand, 1942)
Además de ser uno de los primeros clásicos de la Disney, Bambi es un regalo para la vista y para los oídos. La sencilla historia de Félix Salter se transforma, gracias a los artistas de la factoría de animación por excelencia, en un ejemplo de comunión perfecta entre imagen fija, movimiento y partitura musical. Basta con observar en el mimo que pusieron los artesanos en los fondos, o en los tintes más vanguardistas y radicales que imprimieron a escenas como la de la tormenta. Todo para hablar de ese mal omnipresente e invisible que acecha permanentemente a la naturaleza: el hombre. Desde hace 70 años, Bambi continúa generando traumas a niños de todo el mundo, y eso no tiene precio.
Enemigos públicos (Public Enemies, Michael Mann, 2009)
Visión romántica de las andanzas del gangster John Dillinger, auténtico ídolo de masas durante la gran Depresión norteamericana, a cargo de un Michael Mann que insufla todo el espíritu del western crepuscular a esta historia cargada de fatalismo y de aires de final de época: Dillinger perteneció a una casta de atracadores de bancos herederos de los legendarios ladrones del far west (Butch Cassidy, Sundance Kid,…), pero se dio de bruces con una era de cambios operativos que afectaron tanto a sus colegas de la mafia (la reorientación de sus negocios) como para las fuerzas de la ley (la llegada de nuevas tecnologías y el impulso de la coordinación Federal de la mano del nuevo FBI de Edgar Hoover). Mann filma otro tour de force entre delincuente y perseguidor, como ya hiciera en Heat con el tándem Pacino/De Niro. A diferencia de aquella, la balanza queda algo descompensada por el escaso desarrollo del personaje del agente Purvis (Bale), dibujado con apuntes tan sutiles que por momentos resultan insuficientes. Pero en cualquier caso se trata de una magna película de acción, coronada por una estupenda historia de amor entre outsiders sin futuro. Interpretada con carisma (desmedido el de Depp) y dotada de momentos sublimes e imágenes imborrables, demuestra que Michael Mann es uno de los grandes directores del cine americano contemporáneo.
La vida de los otros (Das Leben der Anderen, Florian Henckel Donnersmarck, 2006)
La vida de los otros arranca en 1984, cuando la célebre distopía orwelliana era una realidad tangible en la República Democrática Alemana, y el Gran Hermano vigilaba a través de las asfixiantes redes de la Stasi. La película expone los métodos de la dictadura comunista y denuncia su corrupción, y aunque se centre en la presión a la que eran sometidos los intelectuales, refleja perfectamente el grado de control que se ejercía sobre el total de la sociedad. Por suerte hubo hombres buenos que lograron salvar vidas, operando desde el interior del descomunal aparato represivo. Ellos se ganaron su sonata.
La Niebla (The Mist, Frank Darabont, 2007)
Qué grato es ser sorprendido por una película relativamente modesta, más cuando se trata de una obra de ciencia ficción terrorífica, como es La Niebla. Frank Darabont adapta este relato de Stephen King en el que un numeroso grupo de personas quedan encerradas en un hipermercado, enfrentadas a una pavorosa amenaza exterior camuflada en una extraña niebla. Una situación límite en la que se cuestionan sus valores morales y religiosos. El film consigue aunar suspense, sobresaltos y pavor, elementos que funcionan dentro de una gran metáfora sobre uno de los mayores males de la humanidad: el fundamentalismo religioso.
Fascinación (Obsession, Brian De Palma, 1976)
Sin lugar a dudas, una de las grandes películas de De Palma, un director largamente vilipendiado por plagiar a Hitchcock pero al que el tiempo ha puesto en su lugar. Fascinación es una relectura de Vértigo, aunque el espíritu enfermizo y obsesivo de Edgar Allan Poe también planea sobre toda ella, convirtiéndola en una película moderna poseída por una alma gótica decimonónica. Aquí, De Palma empezó a desplegar todo el repertorio de su estilo característico (cámara lenta, grúas, planos secuencia, travellings circulares, etc…) tan barroco como deslumbrante. Además contó con el decisivo acompañamiento de la fotografía de Vilmos Zsigmond (cuyo tratamiento fantasmagórico apela a la misma Vértigo) y la música de (no podía ser otro) un Bernard Hermann literal y metafóricamente inspiradísimo, tanto por la calidad de su partitura como por sus citas a Debussy. Total, una delicia.
Gran Torino (Clint Eastwood, 2008)
Los fantasmas de Harry el Sucio y William Munny confluyen en el Walter Kowalsky de Gran Torino. Eastwood parece haber puesto mucho de sí mismo y de la propia evolución de su cine en esta película, que expone un amplio abanico de temáticas con el habitual clasicismo sereno del último purasangre americano: la pérdida de los antiguos valores, los demonios internos, los prejuicios, la tensión racial, la vertebración de la nueva sociedad estadounidense, la familia, la fe, la muerte… Una película profunda a pesar de su aparente sencillez. Los tiempos de la Magnum 44 han terminado: Eastwood opera con la sutileza de un cirujano y, a diferencia de lo que sucedía con el ajado pistolero de Sin Perdón, nos regala una obra redentora para su último personaje.
La Tumba de las luciérnagas (Hotaru no haka, Isao Takahata, 1988)
La noche del 21 de septiembre de 1945 yo morí. Así arranca una de las cumbres de la animación contemporánea, venida de los estudios Ghibli y firmada por el autor de Heidi y Marco. El punto de partida espectral no augura una película tan crudamente realista, que narra las peripecias de dos huérfanos en un Japón destruído por las bombas estadounidenses. Una obra esplendorosa en lo técnico y lo artístico, cruel, despiadada y conmovedora en su retrato de lo absurdo y egoísta de la naturaleza humana.
The Damned United (Tom Hooper, 2009)
Un pedazo de historia del fútbol británico, en sentido literal y figurado. The Damned United es un canto a una Inglaterra en fase de desaparición, a una época romántica de campos embarrados, de estadios poblados de bancos de madera y cubiertas de teja, de un fútbol aguerrido y leal, cuando los clubes eran verdaderas familias y los futbolistas distaban mucho de ser huecos productos de marketing. Pero por encima de todo es un monumental fresco de la poliédrica personalidad del joven entrenador Brian Clough, precursor del Cruyffismo, un tipo seductor, locuaz, brillante e innovador, aquejado de frecuentes ataques de megalomanía y egocentrismo que perjudicaron su fraternal amistad con su segundo e le hicieron incapaz de sacudirse la sombra de su más feroz antagonista, el manager rival Don Revie.  Los embaucados por la farsa monumental, esclava del petrodólar, los derechos televisivos y la cera depilatoria que es el fútbol actual y nuestra liga en particular, verán un paralelismo con el insufrible tándem Guardiola/Mourinho. Como suele suceder en el cine británico, el reparto es excelente, destacando el terceto protagonista Sheen/Spall/Meaney. Imprescindible para futboleros, recomendable para todo el mundo.